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algunos bocetos para dibujar anime

material de comodibujar.es 

como dibujar rostros

Una de las cosas que más lleva trabajo en el camino para aprender dibujo manga, es armar el rostro. Saber cuánta distancia debería haber entre cada ojo, donde va la nariz y la boca (esta última es especialmente difícil para dibujar en rostros de 3/4), entre otros.

Aquí voy a enseñar tales proporciones, las cuales tienen que practicar mucho para poder aprenderlas, y también requiere de que tengas un buen ojo, pues así sabrás qué cosa no calza.

Un pequeño truco es que luego de dibujar algo, lo guardes y no lo veas hasta el día siguiente, cuando lo veas te darás cuenta qué hiciste mal.

He aquí un boceto sencillo de la cara, voy a explicarles como ubicar cada elemento.

como dibujar anime

Para dibujar siempre se tienen que tener guías, hasta para los mejores es difícil empezar un dibujo sin boceto, pues es lo que nos ayuda a poner todo en su lugar. Y el manga no es la excepción a eso.

Las personas tienen muchas maneras de hacer un boceto, los que ya están avanzados lo hacen muy simple y los principiantes necesitan de un boceto más complejo, por así decirlo.
En esta primera parte, sólo explicaré cómo hacer un boceto, pues es la base de todo dibujo.

Sin embargo antes de dibujar en sí, debes asegurarte que tu mano esté suelta...
¿A qué me refiero con que esté suelta? A que no debe estar rígida o tensa, sino tener bastante movimiento, de manera que si dibujas un círculo sin apoyar tu mano en nada, te salga como un círculo 

Si no es así, pues esto se logra fácilmente haciendo círculos hasta vomitar, o también pueden ser elipses u óvalos como comúnmente los llaman. Si te da pereza hacer tantos círculos o simplemente pensás "esta chica está loca", pues lo siento pero este tutorial no es para vos, el dibujo manga es fácil una vez que se aprende, pero requiere de mucho esfuerzo y dedicación u_u.

Otro dato es que tenés que tomar el lápiz como a 2 centímetros de la punta, no como usualmente lo haces sino apoyando el lápiz en el dedo medio y sosteniéndolo con el pulgar y el índice, de manera que el meñique y el anular queden libres. Esto es para que la mano esté más libre, y también para obligarte a tener más control sobre tu mano.

el rey del kaiju godzilla

la historia del rey de kaiju: 

Godzilla (ゴジラ Gojira^?) es un monstruo japonés ficticio, más específicamente undaikaiju (gran monstruo), que ha protagonizado numerosas películas y se ha convertido en uno de los personajes cinematográficos más conocidos del mundo.

Apareció en pantalla por primera vez en 1954 en la película Gojira conocida en España con el nombre de Japón bajo el terror del monstruo producida por los estudios Toho. Godzilla ha aparecido en 28 películas japonesas hasta la fecha y en un controvertido remake estadounidense en 1998, Godzilla.

Godzilla es la referencia más popular de la cultura japonesa del siglo XX, siendo descrito como un enorme dinosaurio mutante, quien genera y salva del caos a Tokio y el mundo; por lo que es muchas veces considerado como Antihéroe. A pesar de que su popularidad ha ido decreciendo a medida que avanzan los años, continua siendo uno de los monstruos más conocidos en todo el mundo. Hasta la fecha Godzilla continua siendo uno de los íconos más representativos del cine japonés, y el más importante del subgénero kaiju, el que deriva del génerotokusatsu.

Se cree que Toho había pensado en Godzilla como una representación del miedo que sintió Japón después del bombardeo atómico sufrido en la Segunda Guerra Mundial a manos de Estados Unidos. Otra teoría indica que puede deberse al temor del Japón ante posibles agresiones soviéticas o de la China comunista.

diseño del personaje

En el anime el diseño de personajes puede variar de ciertas maneras dependiendo de la época o los dibujantes. Cabe destacar que en el anime son usualmente influenciados más de un tipo de estilo de brocha más que la caligrafía de lápiz. Algunas características visibles son:

Los ojos: comúnmente son muy grandes, ovalados, muy definidos y con colores llamativos como rojo, rosa, verde, morado, aparte de los normales como café y azul. Osamu Tezuka introdujo los ojosgrandes inspirado por producciones de Disney como Mickey Mouse y de este modo se toman de un modo humorístico o de personalidad al personaje. El coloreado es para dar a los ojos profundidad. Generalmente una textura de luz de sombra, el tono de color y una sombra oscura son usados.^36 37Cabe destacar que no en todas las series hay ojos grandes como en las películas de Hayao Miyazaki

• El cabello: hay de todas formas, tamaños y volúmenes, para personajes masculinos o femeninos. Además de una gran variedad de colores como los de los ojos, estos pueden tener diferentes formas de sombreado.^38 39

• El cuerpo: puede ser muy parecido a las proporciones del cuerpo humano,⁴⁰ aunque de una manera muy escultural como en el moé. Variaciones a la proporción también pueden cambiar como en el chibio super deformed donde las rasgos pueden ser muy exagerados, aunque estos son para dar un toque de comedia a las series.

• La cara: la nariz y la boca son pequeños, la parte baja de la cara parece ser la de un pentágono. Una amplia variedad de expresiones faciales son usados por caracteres para denotar estados de ánimo y pensamientos. El anime utiliza un conjunto diferente de las expresiones faciales en comparación con la animación occidental.⁴¹ Otros elementos estilísticos son comunes y a menudo en la comedia de anime personajes que están conmocionados o sorprendidos harán una "cara de culpa" en la que se expone una expresión extremadamente exagerada^{[cita requerida]}.

También hay que tomar en cuenta que las características de seres no humanos como animales,robots, monstruos y demonios⁴² varían dependiendo el contexto y son muy diferentes a las de los humanos. Los animales pueden tener un dibujo como realmente son, aunque también puede haber híbridos entre humanos (véase kemono). Los robots y monstruos pueden ser de tamaño gigantesco como los rascacielos, aunque también pueden presentar características chibi, de manera cómica.

caracteristicas de anime

Trama

Dentro de las características notables en el género, se destaca el desarrollo de tramas complejas a lo largo de un cierto número de episodios. Gran parte del anime está estructurado en series de televisión con números de episodios definidos en los cuales se trata una trama específica que puede implicar el trabajo de conceptos complejos.⁸

En la década de 1970, el anime empieza tomar un rumbo diferente en el mundo de la animación. Las producciones occidentales se caracterizaban por estar dirigidas a un público infantil,^9 10 mientras que el anime trataba temas más complejos como el existencialismo y a veces utilizaba un lenguaje más maduro, algunas escenas de violencia y sexuales.^11 12 Varias veces la demografía objetivo a menudo afecta a los contextos ideológicos de la obra: por ejemplo en el shōnen, en las series de acción, se toman momentos que pasan en la adolescenciacomo la amistad, el compañerismo, las peleas, las aventuras, el sacrificio por el amor. En el seinen que también es para un público masculino se toman temas más maduros como políticos, sexuales, o científicos (que, a excepción del kodomo, también pueden ser parte de otros géneros demográficos, solo que se ven con más profundidad en éste). También se tiene que tomar en cuenta, que cuando una serie de mangatiene mucho éxito, es común adaptarlo al anime,¹³ por lo que toma elementos de éste.

Romanticismo

Toma elementos de la fantasía y lo sobrenatural.¹¹ También se toma en cuenta las relaciones que tienen los personajes, como amigos o familiares. La mayor parte de las series de anime pueden tener algo emocional y connotaciones ideológicas. Las imágenes pueden crear un fondo adecuado para la transferencia de sus pensamientos emocionales.⁸ Aunque en las series destinadas para un público femenino, se le toma más importancia a los sentimientos de los personajes, no es algo ajeno también a las series destinadas para el público masculino. Un elemento muy importante dentro de los romances, en donde comúnmente los personajes están desesperados por una persona en especial (algo que puede ser tanto como drama y comedia romántica), el mejor ejemplo en cuánto a la expresión de sentimientos es la serie Candy Candy. Y también el sacrificio de amor que hace una persona por su pareja, un concepto que se maneja en las series de acción, cuando un personaje femenino trata de ser rescatada de los oponentes, ocurre el duelo entre el personaje principal y su enemigo (se refleja por ejemplo en la serie Hokuto no Ken). También hay varios géneros románticos, en donde se pueden dar de diferente forma.

Realismo

Aunque es más predominante la fantasía sobre los sucesos reales,¹⁴ algunas series han tenido influencia del movimiento del realismo, incluso se han adoptado obras literarias al anime.¹⁵ Las historias contadas a través de este medio pueden ser producidas mediante la combinación de variados géneros cinematográficos, como tales hay una gran cantidad de temas, pueden describir acontecimientos históricos, como los citados después. Algo que sí se tiene que tomar en cuenta es que en el anime se reflejan la cultura y las tradiciones japonesas.¹⁶ Las ideas populares de los personajes son: la persistencia, la falta de voluntad de entrega personas muy poderosas o las circunstancias, de que la idea de la libre determinación y la elección de vida, tienen algo importante en la moral. También hay series con drama histórico, que narran diferentes sucesos de Japón, como Rurouni Kenshin, o también de Europa como la película Steamboy, en donde parte de los personajes son ficticios, pero otros pueden ser parte de la historia. Algo que también se toma en cuenta es la política, que inclusive los primeros largometrajes de anime eran publicidad de la guerra, en donde también el género mecha ha sido parte de un dominio de diferentes lugares e ideologías dentro de las series, también se ven los abusos que se cometen en la autoridad (que se hace presente en los personajes contrarios). Otro elemento muy distinguido es el existencialismo, en donde los personajes tratan de analizar su historia, y los diferentes sucesos por los que han pasado, puede verse de manera muy profunda en Ghost in the Shell. También puede tratar de desastres, por ejemplo Tokyo Magnitude 8.0.

Humanidad, Naturaleza y Tecnología

Lo que se ha dicho acerca de la tradición sintoísta también es útil para ilustrar la forma en que el complejo debate sobre la relación entre la naturaleza y la tecnología ha sido desde hace mucho tiempo importante en la sociedad japonesa (aunque también en el mundo entero), y esto se refleja en el anime. Por ejemplo, la película Taro Melocotón, el guerrero divino de los mares, muestra una relación entre el medio ambiente, al ser representado por animales en una isla, y la tecnología, al ser parte de propaganda de la Segunda Guerra Mundial, en donde también el gran desarrollo de la tecnología ha sido parte de la posguerra.¹¹ También dentro de los géneros de la ciencia ficción están el mecha (robots gigantes), en donde se puede explicar como la tecnología en vez de ser un desarrollo positivo, comienza a ser una gran fuente de devastación, paradójicamente el daño ocasionado es recuperado por la misma tecnología. Otro concepto es el Cyberpunk, en donde la película Akira se le considera una pionera. También en la serie Serial Experiments Lain, el concepto de humanidad es mezclado con tecnología, y la humanidad se le toma menos importancia, generalmente van acompañadas con temas de existencialismo. En otro sentido, el hombre-tecnología, en particular, es también la cara a través de la cual en el anime toma una transposición de la modernidad y, en última instancia, lo que dio lugar a una inseparable combinación entre lo viejo y lo nuevo.¹⁷

anime origen

La historia del anime, el género de animación de origen japonés, comienza en el siglo XX, con una serie de cortometrajes similares a los encontrados en otros países como Estados Unidos, Rusia, Alemania,Francia, entre otros. Se descubrió que la primera animación japonesa fue en 1907, en el que se puede observar la participación de un niño marinero.⁴ La compañía Tennenshoku Katsudo Shashin (Tenkatsu) es quien reacciona primero, encargando en 1916 al dibujante de manga Oten Shimokawa una película del género.

Durante la década de 1970, hubo un aumento en el crecimiento de la popularidad del manga, que son a menudo más tarde animados, especialmente los de Osamu Tezuka, que ha sido denominado una "leyenda" y el "dios del manga".⁷ Su trabajo y el de otros pioneros en el campo, inspirados en características y géneros que son elementos fundamentales de anime en el día de hoy. El género del robot gigante (conocido como "Mecha" fuera de Japón), por ejemplo, se concretó en virtud de Tezuka, desarrollado en el género en virtud del Super Robot de Go Nagai y otros, y se revolucionó a finales de la década por Yoshiyuki Tomino que desarrolló realmente el género de los robots del anime, como la serie Gundam y Macross se convirtieron en clásicos instantáneos en la década de 1980, y el género del robot de anime sigue siendo una de las más comunes en el Japón y en todo el mundo el día de hoy. En esta misma década, el anime se hizo más aceptado en la corriente principal en Japón (aunque menos que el manga), y experimentó un auge en la producción. Tras algunas adaptaciones de anime de éxito en los mercados extranjeros, el anime adquirió una mayor aceptación en los mercados en la década de 1990 y aún más a partir del 2000.

demas montruos

Monstruos, monstruos y más monstruos

Como suele ser normal en una película de éxito, siempre surgen las secuelas y los imitadores. En este caso la secuela directa sería “Godzilla Contraataca” (Moyotoshi Oda, 1955), donde se obvia el desenlace de la primera cinta para presentarnos a Godzilla en competencia con un nuevo monstruo, la tortuga Anguirus (para muchos el antecedente que tomaría la Daiei para crear a su Gamera en 1965).

Al año siguiente Godzilla llegaría a América y la cinta original se reconstruiría de una manera bestial, con nuevas escenas dirigidas por Terry O. Morse e interpretadas por la estrella de la época Raymond Burr. A pesar de las apariencias, y de la eliminación de las connotaciones anti-americanas que surgían por el tema atómico, la “nueva” cinta, llamada “King of Monsters“, no fue un mal ejercicio, cosa que no ocurriría con intentos posteriores ya que casi todas las cintas clásicas de Godzilla fueron remontadas en los USA, convirtiéndolas en verdaderos subproductos en muchas ocasiones ridículos. Mientras tanto Honda vuelve a los fueros del Kaiju Eiga con la cinta “Rodan. Los hijos del volcán” y empezaría a convertirse en lo que es hoy, uno de los mayores exponentes del fantástico japonés de todos los tiempos.

A partir de finales de los 60 se abre la veda y Godzilla se enfrentaría a numerosos monstruos. King Kong tendría su nueva versión Kaiju Eiga en “King Kong Contra Godzilla” (1961), y posteriormente la mítica polilla gigante Mothra, que contaría con saga independiente en los 90, el dragón de 3 cabezas King Ghidorah, la langosta Ebirah, la mantis Kamakuras, la araña Kumonga, el hijo de Godzilla Minilla, la masa de poluciónEdorah o MechaGodzilla, son solo algunos de los que aparecieron durante la saga clásica. A ellos se les unirían Biollante, SpaceGodzilla, Destoroyah o Megaguirus, por nombrar algunos, en cintas más modernas. Desde “Godzilla” (Ishiro Honda, 1954) hasta “Godzilla Final Wars” (Ryuhei Kitamura, 2004) han pasado 50 años y 29 películas del saurio gigante, lo cual da para mucho.

Fuera de las lindes de Godzilla también aparecen una buena cantidad de monstruos, aunque la mayoría de ellos terminarían reciclándose contra el Gran G. Ya hemos nombrado a Rodan, pero no debemos olvidar a Varan, Dogora, la versión robótica de King Kong o el mito de Frankenstein que se convierte al estilo Kaiju Eiga en monstruos comoBaragon, Sanda o Gaira.